Un Actor Es..........

Puede uno hablar las cosas con él y pedirle su opinión.

Adquiere lo más de conocimiento teatral que puede

Resulta un ejemplo para los demás y le gusta sentirse admirado.

A él se le pueden decir sus errores y los toma como retos, sin ofenderse  porque está seguro de su técnica y talento.

Participa opinando y dando consejos y le gusta hacerlo.

Opina, pero respeta la dirección de cada área y a quienes sabe que saben mas que él.

Definitivamente, es un líder, orgulloso de lo que hace.

Es una persona que tiene ocurrencias locas y no le da miedo proponerlas.

Repetidamente estudia su libreto aunque lo conoce de memoria.

Sabe marcar la diferencia entre ser director y ser amigo.

El nunca discute las órdenes, simplemente las cumple y mas tarde da su opinión en privado.

Recoge toda la información que puede, porque quiere llegar a ser mejor que el director, por lo tanto, se fija en todo lo que dice y hace este.

Definitivamente, vive bajo la ley del : ¿Y porqué no?

Invariablemente siempre se divierte.

Vive sin sentirse amenazado por nadie, ayuda porque está seguro de si mismo.

Obviamente, siempre coopera en todo lo que se le pide, aunque le parezca inútil

Siempre participa en todas las actividades del grupo.

El nunca llega de mal humor, y hace todo lo posible por no pelearse con nadie.

Dentro de él hay un gran humanidad. Es persona de confianza total. Nunca revelará las cosas que le confían en el grupo.

El siempre procura mejorar, en todos los aspectos, no sólo en el teatro

Bastante le molesta tener que faltar a un ensayo.

El siempre aprende  de sus errores. Tiene Iniciativa

Nunca se le puede negar algo, puede exigir, ya que siempre cumple con lo que se le pide.

Cuida siempre de ser buen compañero.

Un humano como todos es y le duele lastimar, aveces se siente culpable de hacer daño.

Mira como su primer objetivo el beneficio del grupo.

Para salir adelante, está dispuesto a cualquier cosa con tal de que el grupo mejore.

Lucha siempre por la obra como un todo y no como su propio lucimiento aunque le guste.

Integralmente proyecta seguridad y no depende de nadie para hacer las cosas.

Rara vez se queda callado, su imaginación trabaja en todo momento, pensando en mejorar.

Cuando se le pide algo, nunca dice no puedo, siempre lo intenta.

Intenta ayudar fijándose en las capacidades de quienes le rodean, sin hacerlos menos.

Está consciente paso a paso de como crear un personaje.

Realmente sabe manejar un escenario.

Toda vez que se presenta, no es necesario recordarle lo que tiene que hacer.

Obligatoriamente mide su tiempo, su espacio y su concentración.

Siempre está preparado, no importa si es ensayo, función, platica o ejercicios, en todo momento está dispuesto.

Para interpretar, vive cada papel al máximo, y da todo de si en cada función y cada ensayo.

Un actor es una persona que reconoce la importancia de cada cosa que se hace.

Nunca deja de preocuparse por superarse en los aspectos donde sabe que está bajo.

Tiene deseos de progresar y le molesta la irresponsabilidad.

Ocasionalmente exige, porque cree que lo merece, pero siempre da razones.

Sobre todo esto:  Sabe que para ser un Excelente Actor en todo el sentido de la palabra implica:  Técnica, talento y amor.
 
 

Cualidades Principales de un Actor:

1.- Observación
2.- Control de sus cinco sentidos, alerta en todo momento
3.- Conocimiento y control de su cuerpo
4.- Saber escuchar
5.- Saber Analizar
6.- Compañerismo
7.- Organización
 

Algunas cosas que debe saber un buen actor:
 

Actitud de Aficionado:
Es creer que no se necesita la técnica.   Cree que por haber actuado una vez bien ya es un gran actor.

Arte del Actor:
Todos  los que participan en la obra, tienen una meta común; todos trabajan para que la obra salga bien.
Todo lo externo: luces, escenografía, vestuarios, etc... solo tienen valor, si realzan la actuación.  Deben considerarse solamente como apoyos

Artista Ideal:
Aquel a quien no necesita recordarselo todo el tiempo su responsabilidad para con su papel y con el grupo.  Tiene un gran amor por lo que hace.

Autocrítica: 
Teman  a  sus  admiradores,  aprendan  a  tiempo  a  escuchar,
comprender y amar la cruel verdad respecto de ustedes mismos.  Hablen de su arte únicamente con aquellos que puedan decirles la verdad; la mayoría de los actores temen la verdad, no porque no puedan resistirla, sino porque puede quebrantar en el actor la fe en si mismo.

Caminar en el escenario:
Esa forma de caminar, teatral, simulada, no debe  confundirse con una verdadera locomoción escénica, basada en las leyes naturales.

Crítica Capciosa: 
Un   crítico   hostil   puede   hacer  enloquecer  a   un  actor   y reducirlo a un estado de impotencia.  Un crítico sereno, prudente y comprensivo, es el mejor amigo del artista.  Hay que tomar las cosas de quien vienen y recordar que no es lo que me dicen, sino lo que pienso de ello.
Se necesita un especialista para alabar, requiere que tenga un talento excepcional, memoria emocional, conocimiento y cualidades.  Piensa: ¿Qué creo yo? Eres tu mejor crítico.

Director:
Se necesita un régisseur que sea un psicólogo, un artista,  para
enseñar a otros su materia el mismo, debe ser un actor por derecho propio, el mismo debe sentir la psicotécnica del actor, sus métodos y sus accesos hacia sus papeles.  Debe estimular en el actor un apetito hacia su parte. Esto preserva la libertad del artista creativo. No es posible dirigir sin haber estado antes en el lugar de aquellos a quienes diriges.

Doble función: 
La  disposición creativa, será inestable al principio, hasta  que
tu papel esté bien redondeado; y después cuando está usado, pierde su aspereza.  La disposición debe ser tan completa, que puedas disecar las partes componentes sin salirte de tu papel:  Hallas el error y lo corriges, puedes entonces continuar fácilmente.
Salvini dijo: “Un actor vive, llora y ríe en el escenario, y todo el tiempo está observando sus propias lágrimas y sonrisas”.  Es esta doble función, entre la vida y la actuación, lo que constituye tu arte.

Dominio Externo:
Ha habido producciones genuinamente artísticas,  asombrosas
en realidad en su belleza y variedad externas, escenografía, música, producción, dirección, etc.  El trabajo externo en este caso, es autosuficiente y excita al público, y ellos, así como el mismo actor, son presas del encanto y talento de ese factor externo. Pero entonces... ¿Dónde queda la actuación?

Drama
“Acción Culminante”  Dirección consistente y definida  hacia
la meta final establecida por el autor.  En conjunción con la individualidad artística del autor, con las ideas y disposiciones, crean.  

Etica: 
Un actor siempre está ante la atención pública, exhibiendo sus
mejores aspectos, recibiendo ovaciones, aceptando elogios extravagantes, con el anhelo de la titilación constante de su vanidad personal. “Ama el arte en ti mismo y no a ti mismo en el arte.”

Exhibicionismo:
La   auto - admiración   y   el   exhibicionismo,   deterioran   y destruyen el poder de la gracia. El actor se convierte en víctima de su propia gracia espléndida natural. Y tiende invariablemente a caer.

Explotadores del arte: 
El   teatro,   por  su   aspecto  espectacular,   atrae   a   muchas personas que meramente quieren capitalizar su belleza.  Se aprovechan de la ignorancia del público, su gusto pervertido.   Esto, no es arte.

Gracia:
Hay  actores que únicamente pisan el escenario,  y  el  público
ya está subyugado por ellos.  Se llama Presencia o gracia escénica; el actor que carece de este atractivo teatral, es frecuentemente mucho más inteligente, bien dotado y responsable respecto a su arte.  Una de las ayudas más importantes es el hábito.  Una forma de actuar excelente, bien educada, atractiva en si misma.  Cualquier cosa bella y noble, tiene el poder de atraer.

Hábitos:
Los hábitos son una espada de dos filos, pueden hacer un gran
daño, cuando son mal usados en el escenario y ser de gran valor, cuando se aprovechan apropiadamente.  Hay que crear hábitos entrenados.  “Lo difícil debe hacerse habitual, lo habitual fácil, lo fácil bello.”

Imitación:
Puede  servir   de  entrenamiento,  pero  también  reprime  sus
facultades creadoras individuales.  Una imitación es nada más externa, por mucho esfuerzo físico por producir sentimientos, tal acceso a un papel, nunca podrá producir la imagen.

Inmovilidad:
Unicamente  se da inmovilidad en escena cuando no hay acción interna.  Aún hablando, si no se está sientiendo el papel, la obra se siente vacía y lenta.  La inmovilidad escénica se define como la falta de sentimiento.

Intención Creativa:
Tenemos  la  costumbre  de  poner atención  únicamente a  los
papeles asignados a nosotros, este es un error; hay que ver la producción como un todo, entonces nuestra parte, se hará clara por si misma y brillará más.

Limitaciones:
No comprender plenamente las limitaciones que tenemos  por
naturaleza, puede resultar en forzamiento, impotencia y acción estereotipada, mecánica, con cadenas.  Hay que estudiar el arte, y estar conscientes de nuestras limitaciones tanto humanas, teatrales y físicas.

Línea General de Acción:
Es el tema principal, es una línea interna de esfuerzo que guía
a los actores a lo largo de la obra; se llama continuidad, no puede ser desatendida, sin detrimento de la obra. Es el medio de afectar al subconsciente.

Médula:
El  objetivo del teatro, debe  ser  crear la  vida  interna de  una
obra y su incorporación en un escenario, en consonancia con la médula esencial y la idea que dieron origen al trabajo del autor.

Memoria:
En  momentos de  poder creativo intenso, la  memoria de  uno
puede fallar, y romper la continuidad de la línea de transmisión del texto verbal de la obra.  Esta preocupación puede privar al actor.

Mise en Scene:
El trabajo creativo del director, debe proceder en unísono con
el de los actores y no adelantarse ni retrasarse a ellos.  Dejar que evolucione naturalmente la obra, empezando con el análisis y luego por la línea general de acción.

Objetivos:
El  dividir la  obra en unidades,  para  estudiar  su   estructura,
tiene un porqué, y es que en el corazón de cada unidad, reside un objetivo creativo.  Cada objetivo lleva en si mismo los gérmenes de la acción.  Todo objetivo físico, debe contener algo de un objetivo psicológico.  Debes estar prevenido contra objetivos puramente motores, ya que conducen a representaciones mecánicas.

Perspectiva:
La  perspectiva significa:  la interrelación y distribución de las
partes calculada y armoniosa, en toda una obra o papel.  Tenemos dos perspectivas en la mente; una está relacionada con el personaje representado y la otra al actor.  Hamlet no sabe nada de lo que le reserva el destino, en tanto que el actor que interpreta el papel, debe tener esto en la mente constantemente; está obligado a mantenerlo en perspectiva.
La perspectiva proporciona amplitud, extensión, inercia a nuestras experiencias internas y a nuestras acciones externas.  La perspectiva y la línea general de acción, no son idénticas, pero la una es el auxiliar más íntimo de la otra.

Plasticidad de Movimientos:
La energía  que surge de las fuentes más profundas de  tu  ser, con el propósito de estimular esta o aquella acción; la energía, emoción, cargada de voluntad, dirigida por el intelecto, manifiesta en acción llena de sentimiento, contenido y propósito, no puede ser realizada en ninguna forma torpe, mecánica, sino que debe ser satisfecha de acuerdo con sus impulsos espirituales.  La plasticidad exterior está basada en nuestro sentido interno del movimiento de la energía.

Primera Lectura:
Si  las impresiones son recibidas apropiadamente, es  un éxito futuro.  La pérdida de este momento es irreparable, porque una segunda lectura, ya no contiene el elemento sorpresa, la creatividad intuitiva.  Es más difícil corregir una impresión malograda, que crear una adecuada en un principio.  Es la primera etapa de la creatividad.

Realismo:
Hay muchos que  prefieren  la  teatralidad  y  la  artificialidad,
buscan formas antirrealistas más exageradas. En cambio, otros no temen la purga de sus almas a través de impresiones poderosas, buscan un reflejo de la vida real de almas humanas. En ambos casos hay excesos, en el primero, la teatralidad es llevada al punto de lo absurdo y en el segundo, la simplicidad y “naturalidad”, es empujada hasta los límites del ultranaturalismo.  La verdad en el escenario debe ser real, pero poetizada a través de la imaginación creativa.

Representación:
La  vida  en  el escenario,  representa  la  vida  real.    En  toda
representación, nuestra vida es perseguir un Superobjetivo.  Cuando los actores maduran en sus papeles y viven en ellos, descartan todas las superfluidades.  Entonces, sus papeles son como cristales de emociones, armonizando con el tono, ritmo y cadencia generales de la producción.  Entonces la obra está lista realmente para ser presentada ante un público.
La frase “En general” es la ruina del teatro.  Estamos satisfechos con cualquier característica o ilusión general.  El arte verdadero y la actuación “en general” son incompatibles.  Se destruyen uno al otro.  El arte no tolera “de cualquier modo”, “en general”, “aproximadamente”.

Subconsciente: 
Hay  que aprender a no  interferir con él,  una vez que está  en
acción.  Nuestra libertad en este lado, está limitada por la razón y los convencionalismos; más allá, nuestra libertad es audaz, voluntariosa, activa y siempre se mueve hacia adelante.  Debes aprender através de tus propias emociones y no en ninguna forma teórica. Aprende a amar este estado y te esforzarás todo el tiempo por alcanzarlo.

Superobjetivo:
Es  caracterizar la idea esencial, el ánima, aquello proporcionó  el
ímpetu al autor para escribir la obra. Todo debe converger para realizarlo.  No puedes alcanzar el Superobjetivo por medio de tu mente, requiere entrega completa.

Talento:
Es  la feliz combinación de muchas capacidades creadoras  en
una persona, gobernadas por su voluntad.  Mientras más talento tienes, más debes cuidar tu técnica. La inspiración talentosa, acude por medios naturales.  Un talento puede ser atributos físicos, memoria, imaginación, sensibilidad, impresionabilidad, etc.… Puedes tener sólo una porción pequeña de varias cualidades, pero causar un efecto poderoso, si posees presencia escénica, un talento mayor, puede ser inefectivo si carece de poder de atracción.

Teatro: 
Uno  de  los  principales  sentimientos  del  ser humano,  es  el
anhelo de belleza.  El campo de la estética es el campo del teatro.  El posee la riqueza más grande, los medios más poderosos para afectar a los espectadores y  estimular sus emociones artísticas.

Teatro Estudio:
Un  artista hace muchos  bocetos.   Si  no  está satisfecho  con
alguno de ellos, lo rompe y traza otro.  Pero en el teatro, no puedes romper la escenografía, los trajes, los agregados necesarios de cualquier empresa en el escenario. El teatro es colectivo y complejo.  Para desarrollar la creatividad, los artistas deben tener iniciativa, cada uno llegará a la meta de su arte en su propia forma.  Observa a los viejos en el teatro en busca de experiencia, sabiduría y paciencia y a los jóvenes por iniciativa efectiva y su intensa devoción al trabajo.

Técnica Exterior:
Para  expresar  una  vida  de  lo más delicada y  en  gran  parte subconsciente, es necesario tener control de un aparato físico extraordinariamente idóneo y preparado en forma excelente.  Cuando el cuerpo no me transmite los sentimientos del actor, veo un instrumento desafinado.  Mientras más compleja es la vida del espíritu humano en la parte representada, más delicada, más predominante y artística debe ser la forma física que la vista.
Debes seguir desarrollando, corrigiendo, afinando tu cuerpo, hasta que cada parte de él responda a la compleja tarea de presentar en forma externa tus sentimientos invisibles.

Terminología:
Hay que aprender a definir sentimientos, emociones, etc, de forma que al utilizar la técnica sepamos perfectamente de qué hablamos, y no simplemente usarla por usarla, sino entendiendo lo que hacemos.

Tipos: 
O categorías: buenos,  villanos,  alegres,  dolientes,  brillantes,
estúpidos, etc.… es una clasificación.   Los partidarios más ardientes de la costumbre de clasificar los tipos, son los actores pobremente dotados, cuya escala de aptitudes no es amplia, sino más bien unilateral.  Siempre habrá papeles que puedas interpretar razonablemente bien, si las condiciones de estas partes son adecuadas a tu propia naturaleza.  Un verdadero artista, tiene una opinión diferente: nada más existe un tipo de actor, el actor de carácter. Los demás sólo podrán dividirse en buenos y malos actores. Las diferencias son hechas por las cualidades interiores.

Trabajo en casa:
La gran mayoría de los actores están convencidos de que  sólo
necesitan trabajar en los ensayos y de que en casa, pueden disfrutar del ocio.  En los ensayos, un actor meramente aclara el trabajo que deberá hacer en casa.  Un actor debe trabajar en si mismo para corregir los defectos que le ha señalado su director.

Tradiciones:
Una buena actuación en un papel, no determina un buen actor.  Para serlo, se necesita convertir en tradición que todos nuestro papeles sean geniales.

Unidades, Episodios:
Cada escena tiene un objetivo principal, ciertas líneas que no pueden dejar de decirse porque se perdería el sentido.  Hay que encontrar siempre estas líneas y saber hacia dónde nos lleva cada escena para que la línea general de acción nunca se rompa.

Voluntad Creadora:
Aprender a controlar la voluntad, nos permite llevar nuestro trabajo a un verdadero arte. Lograr que la meta que tenemos nos envuelva, nos hechice y nos cambie la vida en ese momento, de forma que nuestros esfuerzos se concentren en el logro total.
 
 

NOTA: Algunas de estas definiciones fueron tomadas del libro: "Manual del Actor" de C. Stanislavski